Las Colaboraciones de "Licenciado Cantinas". El Nuevo disco de Enrique Bunbury

 

 

 

El esperado nuevo álbum de Enrique Bunbury, (cuyo título ya adelantamos: "Licenciado Cantinas" ) cuenta con las colaboraciones de cuatro maestros y leyendas de la música:


el acordeón de Flaco Jiménez,
la harmónica de Charlie Musslewhite,
y las guitarras de Dave Hidalgo (Los Lobos)
y Eliades Ochoa (Buenavista Social Club).

El disco se ha grabado en los estudios Sonicranch en Tornillo, Texas y las mezclas se están realizando en los estudios Westlake de Los Angeles, California.

La fecha prevista para el lanzamiento de Licenciado Cantinas, es la navidad de 2011.

 

FRASES DE BUNBURY

Dinosaurios del rock en español: más vivos y vigentes que nunca





 

19.06.11

 

No son muchos los nombres de artistas del rock en español que han logrado cruzar las barreras del tiempo, las modas musicales y los grandes cambios de la industria musical, para seguir cautivando a más y más seguidores. Hoy en día, es usual ver a padres e hijos disfrutando de su música.

Ellos han escrito imborrables páginas de la historia del rock en castellano, y aunque continúan componiendo nuevas canciones, son noticia en los últimos meses por álbumes en los que dan una mirada al pasado a través de sus temas reconocidos, junto a una pequeña prueba de lo que preparan para el futuro inmediato.

Salmonalipsis Now
DIEZ AÑOS DE LA ERA DEL SALMÓN
En el 2001, la industria del rock en español se conmocionó con El Salmón. No era para menos: se trataba de una colosal producción de 100 canciones y una locura que sólo podía realizar Andrés Calamaro.


Una década después, a manera de homenaje, el propio Andrés, que desde ese tiempo es conocido como El Salmón, lanza  Salmonalipsis Now, un álbum doble que contiene 54 canciones, de las cuales cinco son inéditas y el resto un repaso por El Salmón, considerado “una pequeña gran obra de arte”, que por su extensión aún está por descubrir. Y una buena alternativa es hacerlo a través de Salmonalipsis Now.


Más allá de sus locuras artísticas, lleva 34 años de vigencia, haciendo lo que se le ha dado la gana, desde que era la voz de Los Abuelos de la nada y creó el himno Mil horas, y en los noventa, cuando impactó con la banda hispano-argentina Los Rodríguez.





Primera Fila
EL VERDADERO JEFE DEL ROCK


Tras el éxito de Vicente Fernández y Thalia, quienes grabaron un show en vivo para un selecto grupo de personas, Sony Music empezó a buscar un artista argentino para hacer este mismo experimento.


Quién mejor que el “Jefe del rock”, Miguel Mateos, que por estos días cumple 30 años de labores artísticas.


Las instalaciones de la antigua Biblioteca Nacional Argentina, la misma que dirigió Jorge Luis Borges, fue el escenario para Primera fila, un CD/DVD con 14 de sus canciones más reconocidas desde su época con Zas, banda con la cual inició en los años ochenta, y tres nuevas canciones.


Una de las curiosidades de esta producción es que la mayor parte de los seguidores que estuvieron dentro del público, no superaban los 25 años de edad. Haciendo cuentas, no habían nacido cuando Miguel Mateos ya lanzaba éxitos como Atado a un sentimiento, Llámame, si me necesitas y Cuando seas grande, incluidos en esta producción.





Enrique Bunbury



ESTILO MUY MORRISON


Si bien la influencia de Jim Morrison, en especial en el  físico, es innegable en el cantautor zaragozano Enrique Bunbury, él ha sabido ganarse su propia identidad en 26 años de carrera, desde el hard rock que hacía como líder de Héroes del silencio y su reconocida trayectoria como solista durante 14 años.


El año pasado realizó una serie de conciertos en el Gran Rex de Buenos Aires. Ahora, lo mejor de esos shows aparece en Bunbury Gran Rex, con las 24 canciones interpretadas allí, desde Apuesta por el rock and roll hasta Las consecuencias, su más reciente álbum en estudio.
Ficha clave en la historia del rock ibérico, Bunbury se niega a bajar la guardia y continúa al pie del cañón en búsqueda de nuevas fuentes para expandir su quehacer creativo, por lo que no tiene miedo de tomar una clásica balada como Frente a frente o la inolvidable ranchera El Jinete de José Alfredo Jiménez y hacerlas suyas.





EN TIERRA DE TIGRES


Aunque no son estrellas de rock, llevan 43 años en la escena musical y ahora son los favoritos del canal MTV. Nos referimos a los mexicanos Los Tigres del Norte, que se preparan para actuar en Colombia en octubre y acaban de lanzar una nueva producción musical.


Se trata de Unplugged: Los Tigres del Norte and Friends, un CD/DVD con 12 de sus conocidas canciones, de las 500 que han grabado. Pero además de interpretarlas en vivo y con instrumentos acústicos, como dicta la norma de los Unplugged, invitaron a varios artistas del pop y rock latino: Paulina Rubio, Juanes, Diego Torres y Calle 13.


Aquí, los tigres demuestran que lejos de hacer apología al narcotráfico, cuentan con un extenso repertorio entorno al amor, pero en especial canciones que son himnos sobre la identidad de América Latina.

Texto: Sergio Villamizar
Fuente: Eluniversal.com.co

Bunbury, licenciatura en el exceso

Hace bien poco, Enrique Bunbury anunció el inicio de las sesiones de las que saldrá su nuevo álbum, previsto antes de fin de año. Sus seguidores –e incluso sus detractores- permanecemos atentos a sus movimientos y estamos seguros de que serán igual de sorprendentes e inesperados como los último. Saldremos de dudas en unos meses. Mientras tanto, nunca está de más un pequeño repaso a la discografía del aragonés errante desde que dejó de ser un héroe del silencio, colaboraciones, versiones, recopilatorios y (algunos) discos colectivos aparte.

'RADICAL SONORA’ (1997)
El debut, interpretado como reválida y confirmación en solitario del talento del otrora líder de una de las bandas de rock más grandes de este país. Para unos, una forma de dar palos de ciego divagando entre estilos e instrumentos dispares: percusiones magrebíes, samples, electrónica industrial, guitarras distorsionadas, coros doblados, falsetes y la producción de Phil Manzanera, el hombre que ordenó las ideas y puso en su lugar el sonido heroico. Para otros, un disco de rock sin más, con todo lo que eso conlleva. En palabras de su autor, la obra más incomprendida de su carrera y la más costosa en términos emocionales. Romper con el pasado, en algunos casos, es tarea ardua, y aun así, aquí dejó algunos clásicos que han seguido sonando en sus giras posteriores: ‘Alicia (expulsada al país de las maravillas)’, ‘Planeta sur’, ‘Big bang’, ‘Despacio’ y la impresionante ‘Salomé’, posteriormente transformada en ritmo tribal-cabaretero para el directo.

‘PEQUEÑO’ (1999)
No, no es el disco de Dani Martín. Es la joya de la corona: reminiscencias balcánicas, vientos orientales, violines y guiños a estilos tradicionales como el tango, la copla, la ranchera o el bolero al servicio de unas letras en muchos casos estremecedoras de puro básicas. ‘El extranjero’ no ha dejado de sonar en directo desde entonces, la apertura con ‘Algo en común’ deja claro el contenido de las once canciones siguientes, y la belleza de ‘Infinito’ acabó de enamorar al público mejicano. ‘Pequeño’ es el álbum que sentó las bases de su éxito actual, propiciando su primera gira multitudinaria en solitario tras el relativo fracaso de la anterior, y una muestra más de la capacidad de riesgo de Bunbury, que llegó a declarar que sopesaría la retirada de la música en activo si estas canciones no llegaban todo lo lejos que merecían. Es obvio decir que superaron con creces las expectativas en, para muchos, su mejor trabajo hasta la fecha. ‘Lejos de la tristeza’, ‘¿Dudar?, quizás’, ‘Sólo si me perdonas’ y ‘Contradictorio’ son pequeñas joyas que en nada recuerdan al vociferante y engolado cantante de Héroes del Silencio. Ahora sí, despegaba una carrera impecable que aún nos depararía excelentes trabajos.

‘PEQUEÑO CABARET AMBULANTE’ (2000)
Reflejo del definitivo renacer artístico como solista, Bunbury quiso premiar al fiel público mexicano con este impecable directo grabado en el Hard Rock Café de la capital azteca en varias sesiones en las que su banda de entonces, El Huracán Ambulante, empezaba a entrar en un estado de gracia del que no saldría durante los próximos años. Versiones enriquecidas con nuevos arreglos, con los vientos y violines como protagonistas, y una entrega absoluta de la audiencia dejaron su testimonio en el primer álbum en vivo de su carrera solista, y seguramente el más completo.

‘FLAMINGOS’ (2002)
La idea de superproducción para un artista a veces tan desmesurado como Enrique pasaba por contratar a músicos variopintos, entre amigos e invitados que pasaban por el estudio de Avinyonet de Puigventós, en Girona, para enmaquetar y arreglar una colección de canciones, algunas sobrantes de discos anteriores, y transformarlas en algunos casos en un enorme quebradero de cabeza para los técnicos que debieron lidiar con las numerosísimas capas de sonido que se grabaron. El objetivo era justo el contrario al de ‘Pequeño’. El resultado fue una sobreproducción que no beneficiaba a algunos temas. Sin embargo, estamos ante un álbum fundamental en su trayectoria. La mayoría de las letras tienen un tono confesional –el artista acababa de sufrir una dolorosa ruptura sentimental- y en la propia portada aparecía el propio Bunbury disfrazado de boxeador, en un rincón del ring, dispuesto a sufrir golpes de todo tipo pero digno en su mirada, levantándose una y otra vez, como si tuviera que justificarse o defenderse de los ataques recibidos en el pasado. Un tour glorioso sobre todo por tierras mexicanas y argentinas, una vez más, y la ayuda de gente como Adriá Puntí (autor de ‘Sí’, una de las claves del disco), Quimi Portet (cuyas guitarras suenan en varios cortes), Shuarma, Carlos Ann o el mismísimo Jaime Urrutia en ‘No se fíe’ dan prestancia y prestigio a este trabajo. Ahí estaban ‘El club de los imposibles’, ‘Lady blue’, ‘San Cosme y San Damián’, ‘Contar contigo’ o el vals mexicanizado de ‘Y al final’, que sigue poniendo punto final a muchos de sus shows. Como recuerdo de una de sus mejores giras, se editó el DVD ‘Una noche en flamingos’, con dos conciertos interactivos mezclados, cada uno en un formato, que demostraban lo ya apuntado: Bunbury y su banda eran dinamita pura.

‘EL VIAJE A NINGUNA PARTE’ (2004)
Algunas críticas lo calificaban de tocho hinchado e innecesario mientras otras apuntaban que estábamos ante el mejor trabajo del zaragozano. Ni una cosa ni otra, estamos ante un disco de transición, donde Bunbury se aferraba a sus viajes por Nicaragua, Perú, Honduras, Guatemala, Chile, México y en general toda América hispana para contar sus pequeñas historias, adornadas esta vez con menos arreglos pero exhuberante en su mezcla de estilos, influencias y paisajes. ‘En la pulpería de Lucita’, ‘Palo de mayo’ y sobre todo su emblemática ‘El aragonés errante’ hablan de su estancia en tierras andinas, y piezas absolutamente redondas como ‘El rescate’, ‘El anzuelo’, ‘Anidando liendres’, ‘Los restos del naufragio’ –su particular homenaje a Dylan-, ‘La señorita hermaflodita’, ‘Que no sepa tu mano izquierda’ o ‘Canto (el mismo dolor)’ le dan cuerpo y alma una extensa colección de canciones, veinte en total en un disco doble, en el que de nuevo el propio Enrique se hace cargo de la producción -volviendo de nuevo a la calidez y sencillez analógica- y toca más instrumentos que nunca, entre ellos el piano y el charango, pequeña guitarra tradicional nicaragüense con la que grabó las pre-maquetas. Tal vez un álbum excesivo en su planteamiento, pero tremendamente beneficioso para el futuro de un artista que se mostraba más inquieto y activo que nunca. Prueba de ello serían sus siguientes movimientos.

‘FREAK SHOW’ (2005)
Recuerdo enlatado de la gira que estuvo a punto de llevar a la ruina a Bunbury y a resultas de la cual la banda empezó a dar síntomas preocupantes de cansancio. Todo un circo, entendido en sentido literal, con luchadores enmascarados, competiciones de pulsos, carros y carretas para domadores (menos mal que se olvidó de los leones), y una carpa ambulante que se instaló en sólo cinco ciudades de la geografía española para presentar un espectáculo magnífico que contó con la presencia y la pequeña ayuda de sus amigos Iván Ferreiro, Mercedes Ferrer, Nacho Vegas, Adrià Puntí y Carlos Ann. Ningún tema nuevo y versiones del repertorio de sus invitados, entre las que destaca una grandiosa interpretación del tema de Vegas ‘Gang bang’ y la mágica versión de ‘Fantasía’ de Mercedes Ferrer. ‘Freak Show’ es además el título del documental que acompañaba al CD; una cinta de muy dudosa calidad a la que le sobra, siendo generosos, el 30% del metraje (que nadie se espera un ‘The Last Waltz’). Tras estos conciertos, la prolongación de la gira dio al traste con las esperanzas de continuar en la carretera con El Huracán Ambulante, y un Bunbury cansado, enfermo y preocupado por el aparente estancamiento de su sonido puso un brusco punto y final haciendo mutis por el foro en mitad del escenario en Zuera, cerca de su ciudad natal, y disolviendo después en un comunicado oficial a la banda que había sido hasta entonces su seña de identidad. A partir de aquí, empezaba un nuevo ciclo.

‘EL TIEMPO DE LAS CEREZAS’ (2006)
El ‘Freak Show’ provocó el encuentro de personalidades musicales con puntos en común y muchas ganas de trabajar juntas. Así, Bunbury le propuso a Carlos Ann y Nacho Vegas la grabación de un disco conjunto con canciones de todos y alguna que otra versión. Finalmente, después de que Ann decidiera que el rumbo que estaba tomando el proyecto no estaba en su onda, solamente Enrique y Vegas entraron en el estudio de Paco Loco en Puerto de Santa María (Cádiz). Otras veinte canciones, repartidas equitativamente y con claras diferencias entre las compuestas por uno y otro (narrativas e intensas las del asturiano, más dispersas las del maño), más una versión de Bambino (extraordinaria y dramática ‘Bravo’), un tema compuesto a medias (‘Látex’) y la constatación de que el alejamiento provisional de Enrique de los escenarios estaba llegando a su fin. Una gira corta pero exitosa con conciertos únicos en México D.F. y el Liceu de Barcelona, donde se registró el correspondiente DVD, puso fin a este periodo discográfico y dio paso a un nuevo ciclo creativo que nos ha regalado hasta ahora dos magníficos álbumes.

‘HELLVILLE DE LUXE’ (2008)
Las “canciones desde El Puerto”, como él mismo ha dado en llamar a esta etapa, continúan con un disco grabado de nuevo en casa pero esta vez con la producción de Phil Manzanera, que volvió al entorno bunburyano tras casi diez años para dejar su huella en unos temas sólidos, escritos en ámbitos domésticos y compuestos siguiendo el método tradicional. Por eso suena tan ajustado y redondo. Tras resucitar a los Héroes del Silencio para una gira de diez conciertos que cerró las heridas abiertas entre sus miembros durante demasiado tiempo, éste es un disco humilde aunque quizás no tanto como el siguiente. Aquí aún hay grandes momentos eléctricos en ‘El hombre delgado que no flaqueará jamás’, donde se tuvo que defender de graves acusaciones de plagio, ‘Hay muy poca gente’ y ‘Bujías para el dolor’, tres bombas de relojería que estallan en directo en la versión de Los Santos Inocentes, su nueva y remozada banda en la que sólo sobrevive su fiel escudero Ramón Gacías a la batería. Pese a que algunos de sus antiguos seguidores siguen sin entender este disco y no aprecian preciosidades como ‘El porqué de tus silencios’, ‘Porque las cosas cambian’, ‘Si no fuera por ti’ o ‘Irremediablemente cotidiano’, estas nuevas canciones entran por derecho en su repertorio básico, y confesiones como la de ‘Aquí’ hablan de un artista nuevo, o mejor dicho, en constante renovación. Un discazo como la copa de un pino, y unos shows a la altura de los mejores… y si no que se lo pregunten a los 90.000 mexicanos que pudieron asistir al final de gira en el Estadio Azteca. Ojo a los temas extra, sólo editados en vinilo.

‘LAS CONSECUENCIAS’ (2010)
Su colección de canciones más oscura, introspectiva y downtempo. Townes van Zandt, la última etapa de Johnny Cash, Leonard Cohen, los Beatles psicodélicos y Dylan, una constante en su carrera, como referentes y aglutinantes de uno de los mejores discos de aquel año. Todo se resumía en las propias palabras de su responsable al afirmar que “este disco gustará mucho a unos pocos, y muy poco a muchos”. Sin complejos, olvidando prejuicios y desplegando su fascinante y complejo bagaje sonoro, escuchamos ejercicios de autocrítica (‘Ella me dijo que no’), despechados versos de autoafirmación (‘Lo que más te gustó de mí’, el tema más raphaeliano de su carrera), explosiones glam (‘Los habitantes’), y otro tema para la posteridad, si es que no lo son todos, ‘De todo el mundo’, motivo de un vídeo precioso dirigido por el gran Alexis Morante. Hablando de realizadores, Juan Antonio Bayona se encargó del que acompaña al single de presentación, una versión del ‘Frente a frente’ de Jeanette, y además cantando a medias con Miren Iza, de Tulsa. ¿Se podía pedir más? Sólo un consejo para no iniciados: ahórrense este disco si quieren empezar a disfrutar de la música de Bunbury, es ideal para culminar una devoción, no para iniciarla.

GRAN REX’ (2011)
Grabado en el teatro Gran Rex de Buenos Aires los días 3, 4 y 5 de noviembre del año pasado, este recopilatorio en directo es un intento de plasmar la energía de Los Santos Inocentes sobre un escenario. Sin duda, no hace justicia al impresionante espectáculo de Bunbury y los suyos. El grupo repasa los temas más importantes de los últimos discos y revisa clásicos como ‘El Extranjero’, ‘Alicia’ o ‘Sólo si me perdonas’, adaptándolas a la nueva instrumentación unas veces con más acierto que otras.

Texto: J.J. Caballero
Fuente: 
ThrillerWebzine.com

Bunbury: Con la vida a cuestas

bunbury, el músico nómada, echa la vista atrás en un documental sobre su vida, siempre en una maleta. también habla de sus planes, entre ellos dos discos nuevos

Vemos al pequeño Enrique vestido de comunión, conocemos una nueva y sorprendente versión por la que pasó a llamarse Bunbury, seguimos la precoz ambición que le llevó a crear Héroes del Silencio y por qué a Andrés Calamaro le llamaron la atención. Y sólo son las primeras etapas de Porque las cosas cambian, el documental en el que Enrique Bunbury (Zaragoza, 1967) repasa toda su carrera y que puedes conseguir con este número de Rolling Stone. Ha contado con la participación de amigos y músicos, conocidos y no, y sirve para poner un punto y aparte en una carrera que, como él reconoce en esta entrevista, entra en una nueva fase de “investigación”. El músico aragonés nos atiende cuando está a punto de meterse en la grabación de su siguiente disco en Los Ángeles, aunque ya esté pensando también en el que le sucederá. Algunas cosas no cambian.

Todavía está reciente el lanzamiento de Gran Rex, el disco en directo grabado en Buenos Aires durante la última gira con el que Bunbury ha conseguido ser número 1 de ventas en España. Pero el tiempo pasa deprisa y su autor ya está embarcado en proyectos muy a futuro. Paradójicamente, el músico ha elegido este momento para revisar su carrera de atrás hacia delante, y el resultado es el documental Porque las cosas cambian.

¿Qué motivo te ha empujado a poner en marcha este documental?
Con Las consecuencias y Gran Rex, cerrado el ciclo que llamamos ‘Canciones desde el Puerto’, era lógico hacer un poco de reflexión. Pensamos que veinticinco años desde que estampé, por primera vez, mi firma en un contrato con la discográfica EMI, era un buen motivo también para echar, por un momento, la vista atrás, coger aliento y volver al trabajo.

¿Cuál es el objetivo? ¿Qué quieres contar?
Bueno, aclaremos que el documental biográfico Porque las cosas cambian tiene un autor, que es Javier Alvero, que se tomó el tiempo y la molestia de entrevistarnos a todos y montar la historia de forma comprensible para todos los públicos. Una vez aclarado, pienso que también está bien dejar por escrito que el documental pretende mostrar, juzgar poco o nada, y dejar que sean los involucrados los que hablen, y que la visión del autor, Javier, aparezca neutra, sin robar protagonismo a los hechos. Quiero decir que quien conozca al dedillo los hechos y dichos, poco descubrirá, y el consumidor normal de música que pueda tener uno o ninguno de mis discos, podrá hacerse una idea de a qué me he dedicado durante todo este tiempo. En ningún momento se pretende ni exagerar mi valía como músico ni actuar con falsa modestia. Es, simplemente, una narración de los pasos dados.

¿Quién eligió a las personas que participan en el documental? ¿Con qué criterio se hizo?
Javier Alvero me mandó un e-mail con los personajes que pretendía entrevistar. Como es normal, en principio, se fijó en la lista de colaboradores o músicos más conocidos que podían contar, por cercanía, cómo fue determinada época. En mi opinión, la mayor parte de las veces, en este tipo de documental, las caras famosas se llevan el metraje y dejan a verdaderos protagonistas sin decir esta boca es mía. Por eso, añadí a su lista personas que para mí han sido clave, como Miguel Ángel Gómez, que fue presidente de EMI durante un largo período; Jordi Puig y Juan Pablo Ohanian, que han sido promotores de mis conciertos en América durante años; Pito y Nacho Royo, mánager de Héroes y de mi carrera en solitario, respectivamente… y otros tantos. Algunos de los que añadí aparecen en el documental, y a otros, o no se les localizó, o no quisieron aparecer.

Se echa en falta a Juan Valdivia, tu compañero en Héroes. ¿Por qué no aparece?
Sí, claro. Hay quienes, por distintas razones, no pudieron o no quisieron aparecer. Las razones de cada uno se las deberías preguntar a ellos; pero, sean cuales sean, las respeto. Y, ya te digo, que yo también echo en falta a algunas personas de mi entorno más conocido por el público y algunas de las que no son conocidos. Ni sus nombres, ni sus caras, ni su labor.

Una vez has visto el documental, ¿qué cosas te han sorprendido para bien? ¿Y para mal?
En algún momento, me parece que en el documental hay demasiados datos y, sin embargo, están saltándose muchas cosas para no hacerlo excesivo. Hemos grabado muchos discos y realizado muchas giras. Algunos discos son más flojos que otros, y algunas giras no estuvieron a la altura. Es difícil mirar atrás y no sentir algo de frustración y vértigo.

¿Qué crees que aporta al público sobre ti?
Creo que, sobre todo, ayuda a quien no conoce demasiado mi carrera a poner orden en el caos y a deshacer algunos tópicos.

Mucha gente habla sobre ti en el documental. ¿Te sientes reflejado en lo que ellos dicen de ti? ¿En qué caso te ves mejor? ¿Y en cuál peor?
Bueno, dicen lo que quieren decir. No soy quién, o más bien no es mi estilo corregir ni opinar ni juzgar. Aunque claro, pienso que Phil Manzanera, que me conoce muy bien después de haber trabajado en cuatro discos en los últimos veinte años y con una profunda relación personal, habla con mucha sabiduría y caballerosidad. También me alegró ver que Pito, mánager de Héroes del Silencio desde el 87 al 95, me guarda cariño y respeto. Tal y cómo fue el final de toda esa etapa para él y para nosotros, es bonito ver que supo separar el grano de la paja. Y mis compañeros me hacen sentirme querido. Loquillo explica muy bien algunos de mis momentos de confusión; Ariel [Rot] comprendió lo que parecía difícil de comprender; Andrés [Calamaro] habló de un forma… ¡tan cariñosa! Me alegra también que sea Jaime [Urrutia] quien pone una nota de humor. ¡La gente tiene un concepto tan equivocado de él! Y Julio de la Rosa, al que respeto, admiro y quiero, apunta alguna certeza sobre el difícil mundo de la poesía.

¿Has censurado algo?
Claro. Sobre todo de mi entrevista. Aquella mañana no estaba para muchos primeros planos. Me hubiera gustado repetirla, porque no me funcionaron las dos neuronas de guardia como debían. Por otro lado, tengo que empezar a aceptarme con mis limitaciones. A lo mejor, mi cerebro no da para mucho más.

¿Qué cosas has descubierto de ti mismo gracias al documental?
Me he descubierto más querido de lo que creía. La verdad es que, con el paso de los años, he ido descubriendo cómo la gente de la industria musical de aquí y de allí ha ido, poco a poco, cogiéndome cariño. Supongo que debido al roce, como se suele decir. Y yo, sólo puedo sentirme agradecido.

¿Está detrás del documental la intención de corregir alguna idea que se pueda tener sobre ti? Si es así, ¿cuál?
Todos nos dejamos llevar por los tópicos a la hora de hablar, pensar y juzgar a los músicos, cineastas, políticos o futbolistas que aparecen en la prensa. Y a todos nosotros nos suelen definir de un plumazo de trazo grueso. Te voy a contar un ejemplo de imagen tópica que, al menos a mí, me hace gracia. Estando en una terraza de Cádiz con unos amigos, hace un par de años, o quizás menos, se me acercó un tipo y me soltó así, a bocajarro: “¡Joder, Bunbury, sin la cinta en la frente no te había reconocido!”. A lo que sólo pude responder: “Es que voy de incógnito”. Bueno, la cosa es que, en general, la gente que no sigue tu carrera se queda con una imagen muy concreta, estereotipada, que no tiene por qué ser ni la que mejor refleje tus inquietudes musicales ni tu aportación real. En mi caso concreto, además, he pasado por etapas muy diferentes. Hay gente que tiene la extraña idea de que en solitario hago cabaret y con Héroes… ¡¡¡hice heavy!!!

En el documental aparece mucha gente importante en tu carrera. Si tuvieras que elegir una persona sin cuyo concurso (personal o profesional) tu carrera no hubiera sido la que es, ¿quién sería y por qué?
Creo que debería destacar a más de una persona. Si me lo permites, al menos, a tres. Para empezar, mi mujer: Josegirl. Y los motivos serían tanto vitales como profesionales. Quizá, si no la hubiera conocido, no estaríamos hablando hoy aquí. Puede sonar exagerado, pero es probable que no estuviera ni física ni mentalmente capacitado para continuar en la profesión. Nacho Royo, mi mánager, que también me ha aportado mucho a nivel personal; creo que si en 1999 no llega a cruzarse en mi camino no habría tenido una carrera en solitario. Y Ramón Gacías (batería desde 1997 hasta hoy), que ha sido mi compinche musical, que me ha seguido y comprendido por los recovecos más complejos de mis últimos quince años.

Visto el documental, parece que los dos momentos que han “salvado” tu carrera han sido las rupturas de Héroes del Silencio y del Huracán Ambulante. ¿Te has arrepentido de alguna de las dos?
En aquél momento, en el 95-96, sinceramente, hubiera preferido que no se disolvieran Héroes del Silencio. Igual que en 2005 hubiera preferido que todos los datos no llevaran a El Huracán Ambulante a la separación. Yo creo en las ‘casualidades’. Creo que las cosas no ocurren porque sí, y que si no hubieran sucedido determinados hechos en nuestras vidas no podríamos haber llegado a conocer a determinada persona, imprescindible para tu futuro, o no habrías llegado a limpiar tu cabeza y tu alma de energía negativa y malas vibraciones. Creo que todo forma parte de un aprendizaje que ni siquiera es profesional. Es parte de un crecimiento personal que no es necesario entender del todo. Como dice Diego Vasallo en una canción: “La vida te lleva por caminos raros”.

La visión que se da de Radical sonora es la de un disco que necesitaba ser así para poder empezar de cero. ¿Volverías a hacerlo igual o ahora te suena forzado? Porque es el que menos encaja, musical y estéticamente, en tu discografía.
Creo que es un disco que tiene un gran trabajo de producción por parte de Phil Manzanera, que suena espectacularmente bien y que, ahí, sigue habiendo una camino muy interesante por desarrollar. Mi problema personal con el disco es que sólo tiene tres o cuatro canciones que merecen la pena y, el resto, flojea. El tópico al hablar de ese álbum es que se le conoce como mi disco dance. Siendo que es, obviamente, un disco de rock, con instrumentación electrónica y alguna pincelada de música del Magreb.

En el documental dices: “Cada vez que te digan ‘éste es tu sitio’, bate de béisbol y a joder el sitio”. ¿Ha terminado así tu etapa en El Puerto de Santa María, donde has vivido los últimos años?
Bueno, esa frase, sacada de contexto, es muy poco afortunada. Y más, relacionarla en este caso con El Puerto de Santa María como ciudad. Pero entiendo que la destaques y a lo que te refieres y, creo que sí, que ha terminado un ciclo y que lo que viene es un periodo de investigación. Eso quiere decir que mis próximos pasos serán más experimentales y estarán más centrados en el estudio de grabación y la producción que en la captación fiel del sonido de una banda tocando juntos en una buena sala.

Siguiendo con la cuestión: ¿cuánto tiempo de vida le queda a tu etapa en Los Ángeles?
Desde el punto de vista de grabaciones, todavía es muy pronto para hablar. El primero de los trabajos en los que estoy ahora enfrascado lo empezamos a grabar a mediados de mayo. Me gustaría hacer lo mismo, por lo menos, con otro disco más que ya empecé a escribir y que espero tener terminado para finales de 2012. Estoy aventurándome mucho contándote todo esto porque, aparte de mis inquietudes y tiempos creativos, paralelamente hay una industria cultural y un sistema económico mundial que parece desmoronarse.

Según nos dijiste una vez, en El Puerto tenías tu huerto y además pescabas. ¿Haces algo parecido en Los Ángeles?
Conservo el hobby de la cocina. Es algo que empecé a practicar en serio en El Puerto y continúo haciéndolo diariamente, cuando no estoy girando ni grabando. También nos hemos aficionado a la medicina natural y practicamos con los amigos que se dejan.

Haber sido padre, ¿te ha hecho ver de otra manera este aspecto nómada de tu vida?
Para mí, una imagen icónica de rock & roll siempre fue la foto interior del disco Brothers & Sisters de los Allman Brothers. ¿La conoces? Bueno, sale toda la banda con mujeres, hijos, perros y demás, en una casa de campo donde se supone instalaron el estudio de grabación, entre gira y gira, para grabar el disco. También dicen que los gatos son territoriales y no les gusta mucho salir de casa. Mi gato Bowie se recorrió con nosotros los EE UU de costa a costa, en un autobús. Y estuvo en algunas de mis últimas grabaciones. No hagamos mucho caso de los tópicos porque, en toda regla, siempre hay unas cuantas excepciones.

¿En qué cosas eres consciente de que la paternidad te ha cambiado?
Las prioridades cambian. Dejas de planificar tu vida pensando solo en tus inquietudes y necesidades. Pero es muy pronto y yo muy inexperto como para hablarte con verdadero conocimiento de causa.

¿Cómo influye en el disco que vas a grabar?
El disco que voy a grabar lleva cuatro o cinco años en mi cabeza. Tarde o temprano, tenía que enfrentarme a él y llega, creo, en el mejor momento. En el otro, el que estoy escribiendo ahora, no sé si se está reflejando, ya veremos.

¿Qué relación guarda este nuevo disco con Las consecuencias? ¿Rompe con él?
Me alegra mucho haber cerrado la etapa anterior con un disco que ha sido tan bien recibido por la crítica y el público como fue Las consecuencias. Es pronto para hablar de un disco que todavía no he entrado a grabar y del que no se sabe ni siquiera qué compañía discográfica lo va a editar. Cada cosa a su tiempo. Puedo adelantarte que el disco se llama Licenciado Cantinas y que es un disco conceptual.

¿Qué fechas tienes previstas de lanzamiento, gira, etc.?
Estamos barajando Navidad de 2011 para publicarlo. Ojalá se cumplan los plazos y así podremos volver a la carretera el año que viene. Tengo muchísimas ganas de tocar más en España, en más ciudades. La gira de Las consecuencias, por la ‘baja por paternidad’, se quedó corta y sólo pudimos realizar la primera parte de lo que en principio teníamos en mente.

Cuando sacaste Las consecuencias, parecía tu disco más intimista e importante. ¿El tiempo que ha pasado te ha hecho confirmar o cambiar la opinión?
Creo que es uno de los mejores discos que he sacado y, lo bueno es que, esta vez, coincido con la mayoría. Sé que mucha gente que normalmente no se acercaba a mis álbumes, en este caso hizo una excepción y se encontró con un cancionero que no esperaba. Yo lo situaría, junto a El viaje a ninguna parte y Pequeño, entre lo que rescataría si me tuviera que desprender de todo lo grabado hasta ahora y sólo pudiera quedarme con tres de mis grabaciones.

PORQUE LAS COSAS CAMBIAN. El documental en DVD que te regala ‘Rolling Stone’ está dirigido por el realizador Javier Alvero. Cuenta con la participación del propio Enrique Bunbury y músicos y amigos que le han acompañado a lo largo de 25 años de carrera. Entre ellos, Joaquín Cardiel y Pedro Andreu de Héroes del Silencio, miembros del Huracán Ambulante, Loquillo, Jaime Urrutia, Andrés Calamaro, Pereza, Iván Ferreiro, Carlos Ann, Ariel Rot, Phil Manzanera y un largo etcétera.

Texto y entrevista: Josu Lapresa
Fuente: RollingStone

Exclusiva ‘RS’: Documental de Bunbury

 

25.05.11

 

 

“Estoy totalmente reconciliado con mi pasado”, afirma Enrique Bunbury (44 años). Y precisamente alrededor de esta frase, y todo lo que conlleva, gira Porque las cosas cambian, el dvd documental que
repasa los 25 años que lleva en activo el músico aragonés. Su director, Javier Alvero, retrata, a lo largo de 1 hora y 40 minutos, todo el proceso artístico de Bunbury: desde su primera etapa en Héroes del Silencio hasta sus últimos y recientes días (su nueva vida en Los Ángeles y su experiencia como padre). El dvd cuenta con la participación del propio Enrique y los músicos y amigos que le han acompañado en todos estos años. “Enrique, baja. Llevas siete años girando por todo el mundo. Vive, échate una novia”, recuerda Loquillo que le dijo una vez al músico. También aparecen Ariel Rot, Pito [mánager de Héroes del Silencio de 1987 a 1995], Jaime Urrutia, Andrés Calamaro o Julio de la Rosa, entre muchos otros.



Porque las cosas cambian, el dvd documental sobre Enrique Bunbury, lo puedes conseguir gratis y exclusivamente junto al número de junio de ROLLING STONE (mañana, día 26 de mayo, estará disponible en los quioscos).

Fuente: RollingStone.es

Una de las cosas ke menos me gustan de Internet es ke cualkiera se considera apto para hacer criticas!!
Y en los foros y los blogs pues van saliendo pekeños críticos frustrados, ke van soltado cualkier chorrada sin ningún tipo de conocimiento de causa de porque se hacen ciertas cosas!
E.Bunbury

Recordando viejas entrevistas de Enrique Bunbury

"No hay sólo una forma de pensar, ni de coña"

Redactor: Juan de Bonrostro

Mayo 2004
Bunbury


Enrique Bunbury vuelve a la actualidad musical con un nuevo álbum, “El Viaje A Ninguna Parte”, nombre que toma prestado de la película de Fernando Fernán Gómez, con quien comparte además ese espíritu indomable y esa mala leche nada insana. Su nuevo trabajo fue concebido en un prolongado viaje que el artista aragonés realizó por diversos rincones del mundo, pero especialmente por Latinoamérica. De este viaje y de este disco estuvimos hablando con él.

“El Viaje A Ninguna Parte” ¿Utilizas el viaje como búsqueda de nuevas realidades o cómo válvula de escape de una realidad que no te gusta?
El viaje tiene siempre muchas lecturas. Tiene una lectura de movimiento, simplemente de conocer lugares. De lugares que no conoces o que conoces y quieres aproximarte un poco más. En este caso también existe una lectura musical. Es un viaje musical a través de los palos y géneros de raíz que más me interesan de América, desde Argentina hasta Chicago. Luego tiene una parte de viaje interior, una búsqueda de respuestas y soluciones a determinados problemas personales.

Dicen que al viajar, al igual que a leer, no importa tanto la cantidad sino la calidad. No importa tanto la cantidad de veces que lo hagas sino el modo en que lo haces. ¿En qué elementos basas tu viaje?
Para mi viaje, a diferencia de turismo es la distancia más larga entre dos puntos, siempre, y tiene que incluir la carencia de billete de vuelta. Y, cómo último punto esencial, debes hacerlo solo. A partir de ahí, para mí están muy claros los que considero viajes míos personales y cuáles son traslados de un lugar a otros por circunstancias personales, o los que son viajes de turismo en los que te vas con tu chica a un lugar muy bonito. El viaje para mi tiene que tener esas tres características.

A la hora de afrontar una gira, como vas a hacer ahora, ¿queda muy limitado ese concepto de viaje?
No, claro, ahí no entra el concepto de viaje, entra el concepto de traslados de un lugar a otro. Lo que pasa es que me gusta tanto viajar en todos los aspectos, incluido el turístico, por supuesto ir de gira, que ahora mismo tengo muchísimas ganas. Es de lo que más me apetece.
  Quizás porque vengo de un año en el que me he volcado prácticamente en exclusiva a componer canciones, a preparar este disco, hice también el de Bushido, terminamos lo del DVD de Flamingos, hicimos el disco de tributo homenaje a Leopoldo María Panero, y bueno, también hice canciones para el último disco de Raphael, “De Vuelta”.
Fue una época muy buena de componer y de hacer proyectos creativos, que es digamos el motor de lo que me dedico y la verdad es que ahora veo como un descanso bah...ciento veinte conciertos. (risas) Me apetece mucho, me apetece por muchas canciones que quiero tocar, de repente hay mucho material para introducir en el repertorio.

Guardas una relación muy especial con tus seguidores, alguno de ellos muy fanáticos, ¿cómo esperas el reencuentro con ellos?
Bueno, tengo que decirte que los fanáticos no me interesan, no me gustan. No me gustan ni en mi ni en la vida real. Los fanáticos me dan mucho miedo. A mi me gusta la gente que le interese este disco o cualquier otro disco anterior, cualquier canción que haya hecho.
Que vengan a cualquier concierto y que disfruten me parece fantástico. Yo creo que este disco, para quien más o menos me ha seguido, no veo razones para que no le guste. En todo caso que hablo más de la cuenta, que en este disco hay mucho texto, pero no creo que la gente se entorpezca de acceder a las canciones.

La gira empieza en España, luego vas a Latinoamérica, ¿encuentras muchas diferencias en cómo te recibe el público de un lado y otro del Atlántico?
Bueno, existe una diferencia formal bastante bestial, en cuanto a que aquí, joder, pues estamos en un país en donde hay muchas diferentes culturas en muy poco territorio y puedes acceder a todas ellas por carretera. Es una gira en la que estás moviéndote de un lado a otro con la banda por la carretera y es una cosa más próxima, también con la gente.
En cuanto saltas a Latinoamérica de repente las distancias se vuelven todas muy grandes incluso en el mismo México, el estar en DF, Guadalajara, Monterrey ya hay muchas veces que tienes que coger aviones. Cuando tienes que cambiar de país, definitivamente, cuando vas a Guatemala, o cualquier otro lugar. Entonces ya estás utilizando un medio de transporte que es de largas distancias y en muy poco tiempo llegas a culturas muy diferentes.
El poder irte a Argentina a Perú, visualmente, los olores, los sabores, todo cambia de una forma muy bestia, muy radical y digamos que es más emocionante cambiar de país. Luego la relación que tengo con algunos países, con Argentina, México principalmente y algunos países de Centroamérica, es muy especial.
Digamos que no han separado de forma tan bestia lo que es mi carrera en solitario de mi carrera con Héroes, que he seguido yendo ahí todos los años y hay una relación muy bonita, la verdad. Estoy muy contento de cómo me tratan allí. La verdad es que estoy muy agradecido.


 

Ahora que citas a Héroes, ¿queda algo de ellos en Bunbury?
El cantante es el mismo, pero también es otra persona. Ten en cuenta que yo estuve en mi veintena, e incluso antes, desde los dieciséis años, quince años, en Héroes hasta que cumplí veintiocho o veintinueve. Y digamos que la carrera de Bunbury en solitario es más en una edad adulta y menos chorras.
Intento hacer menos el chorras y concentrarme en las cosas que importan de verdad, o que me importan ahora mismo de verdad. También tengo las cosas más claras, creo que Héroes fue demasiado éxito demasiado pronto y que no es bueno tener éxito tan pronto siendo tan joven. No lo veo bueno para nadie. Creo que es una putada. Supongo que habrá gente que lo llevará mejor, pero yo no lo llevé bien. Es muy perjudicial para la salud. Para todo. Para la salud mental sobre todo.

El disco parece crudo, más cercano al directo y alejado de la producción.
Totalmente de acuerdo. De hecho premeditadamente cogí a los ingenieros, al equipo que éramos cinco personas y les di el discurso explicándoles lo que quería en este disco...nuestro error sería si tu como ingeniero de captación, tu como ingeniero de mezclas, yo como productor, tu como ingeniero de pro-tools, cada uno de los que estábamos, si se nos oía de alguna forma en el disco eso era un fracaso.
Yo había hecho un trabajo previo de tres meses con la banda, trabajando mucho con los arreglos; para mi lo importante era que lo que tocara cada músico sonara lo más bonito posible y si alguien hablaba de algo de este disco fuera “qué bonito toca la trompeta”, “qué bonito es este solo de violín, “qué bonito esta cosita que está sonando aquí”, “mira la guitarra lo que está haciendo”, “mira que texto”, “mira que canción”. Eso es en lo único que quería que se fijara la gente. Quería eliminar el concepto de productor de los noventa principalmente y de los ochenta y centrarme en el concepto de productor de los cincuenta y los cuarenta que era el productor arreglista. El productor más cercano a Quincey Jones, a los productores de Sinatara , por ejemplo, que eran gente que lo que hacía realmente era contribuir en los arreglos.
Era embocar los arreglos, dirigir los arreglos, pero no había un concepto de sonido, un concepto sónico. Quizás los primeros que ponen un pie en cada lado son George Martin y Phil Spector. Ambos dos en los que ya empiezan a interesarse un poquito por el sonido y por las nuevas tecnologías que hay en ese momento, que se reducen al stereo y a poco más, a hacer grabaciones y una serie de cosas. Pero no quería utilizar ninguno de los trucos que ya se han utilizado a lo largo de la historia para producir un disco. Quería reducir todo a: sois músicos, tocar de puta madre, con sentimiento, vamos a elegir la toma buena, a tocar lo más posible en directo. No hay claqueta en este disco y hay muchas cosas que son contrarias a la forma de producción del día de hoy.

¿El tomar en tu disco elementos que en su mayoría proceden de Latinoamérica tiene que ver con lo bien que te sientes en Argentina y México o ha sido un trabajo estrictamente de investigación?
Yo creo que es más por eso, independientemente de que también ocurre lo otro. Yo ahora estoy prácticamente viviendo en México y me siento muy a gusto en Latinoamérica. Los viajes que he hecho por los países Latinoamericanos me apasionan, me siento vivo.
También porque hemos vivido una etapa en España culturalmente muy pobre. Afortunadamente las cosas parece que pueden cambiar en el futuro. Esperamos que ZP haga algo. Yo creo que es muy probable que ocurra. También creo que existe esa ansia en la calle. Veo mucha gente que hace cosas pasando olímpicamente de los grandes medios de comunicación, de las grandes compañías. Gente que se autogestiona cositas y que aún así, la dificultad del mercado no le impide ser creativo, tanto en música, como en literatura, en pintura veo que vuelve a haber cosas. En el mundo del vídeo hay mucha gente y en el cine. Creo que hay algo que está bullendo por ahí muy interesante.

En tu página web aparece reflejada la discografía pirata. ¿Cómo ves el mundo de la música, la aportación de la industria, la aparición de internet y sobre todo cómo afecta todo esto a la parte más sensible e importante, que sois los artistas? ¿Cómo crees que está evolucionando el tema?
(silencio) La industria de la música es una industria muy joven. Es una industria que tiene cien años. Antes de la industria de la música existía la música, puede que la industria de la música se vaya al carajo, puede ser. Yo creo que la industria de la música se adaptará a los tiempos, creo que simplemente le está costando mucho adaptarse a los tiempos. De hecho a día de hoy todavía no conozco ninguna compañía que realmente esté adaptada del todo a los tiempos.
Creo que todavía van un par de pasos por detrás. También entiendo que es una maquinaria muy pesada y que el cambio tiene que venir muy poco a poco y de forma global. Pero a mi no hay nada que me asuste, ningún cambio me asusta. Porque si tengo que volver a los escenarios, bienvenido, si es a lo que me dedico. Si tengo que volver a hacer canciones y a valorar la canción en sí porque es lo que se va a colgar en internet, ningún problema, si es a lo que me dedico. La única diferencia es ¿cuál es el problema? ¿La posible desaparición del formato? Ningún problema, nunca tuve ningún cariño al CD, lo tenía al vinilo, al CD no lo tengo, me da igual que desaparezca. No tengo ningún problema. Me da totalmente igual.
Y creo que lo que tenemos que hacer es adaptarnos a los tiempos y a partir de ahora creo que va a salir mucha gente con buenas ideas. Yo creo que la crisis ayuda un poco a explotar el cerebro, a ver qué se nos ocurre para enfocar ellos el negocio, lo mío está muy claro lo que tengo que hacer. Creo que cada uno tiene que moverse en su terreno, que cada uno aguante su vela, en cierto modo. La mía es hacer canciones. A mi se me puede exigir que haga mejores canciones y, de hecho, lo juro que lo voy a intentar, y mejores conciertos. Eso es lo que puedo hacer. Luego lo demás es cómo vender, o cómo extender eso, cómo intentar comunicar con la gente. No me preocupa porque eso nadie sabrá hacer que se vaya a perder la comunicación con la gente, se está hablando de otras vías de comunicación.

Cambiando de tema, creo que a lo largo de toda tu carrera has desarrollado un personaje tanto en el escenario como de cara a los medios de comunicación...
...te iba a decir Broadway, el cabaret berlinés, todas esas cosas en cierto modo es como representar, añadirle un componente extra a la interpretación en directo. Pero siempre lo he creído, creo que eso está desde el principio de los tiempos. Siempre ha habido un poco de interpretación y ha sido necesario para la mejor comprensión del contenido de las canciones. Pero eso también va con el carácter de cada uno. A mi me va. Yo me siento muy mal si hago de mí mismo encima de un escenario.
En cierto modo busco un personaje en el que disculpar todas mis burradas. Un personaje que se pueda llevar todos los palos. Y también creo que luego para la gente que va a un concierto es más agradable tener algo donde mirar que ir a un concierto para escuchar música simplemente, cosa que también me gusta mucho. Pero en principio para eso tenemos música en nuestra casa, tenemos nuestro equipo, suele sonar mejor, tengo mejor vino en mi casa que en los bares donde vamos y no me empuja ni me pisan los pies (risas). Entonces creo que para ir a ver a un concierto añadir algo de componente escénico es positivo. Pero es mi visión y acepto la otra totalmente.

De cara a los medios de comunicación, tienes fama de polémico, de decir cosas políticamente incorrectas...
Es lo que más me gusta. Pero eso sí me gusta mucho en la vida diaria, de hecho me corto mucho en la vida diaria. Me corto mucho porque realmente creo que gente como yo o como el loco o como Fernán Gómez somos la prueba evidente de que el discurso de valores dominante está convirtiéndose como una forma obligatoria de pensar o que nos está llevando al pensamiento único como si no hubiera otras formas de pensar.
Entonces creo que está bien que haya unos cuantos que digamos “eh, no, no hay sólo una forma de pensar, no, ni de coña, hay más”. Entonces voy a plantear una burrada ahora mismo y la soltamos, o por lo menos yo suelto algunas burradas. Y creo que cualquier de mis burradas por lo menos algunos dirán “bah, se ha pasado, está ahí llamando la atención”.
No es llamar la atención, en cierto modo es a lo mejor deberíamos pensar o reflexionar sobre este tema. No digo que yo tenga la razón, porque de hecho no la suelo tener casi nunca, pero si sobre algún tema se puede reflexionar y replantearte las bases sobre las que has vivido durante mucho tiempo como inamovibles creo que es positivo. Creo que de la duda parte la posibilidad de hacer una canción mejor y la de hacer un mundo mejor, que no sé hasta que punto es más lógico.

No crees que al llegar la madurez te irás ablandando y que a la vez ...
¡Yo tengo todas las de Fernando Fernán Gómez, tengo todas las papeletas! (risas)

Aparecen muchos colaboradores en tu nuevo disco, Mastretta, Mercedes Ferrer y también gente de Bushido. ¿Ha influido mucho tu experiencia en ese proyecto a la hora de trabajar en este nuevo trabajo?
Creo que se oye claramente que no son iguales, pero sí que hay cosas. Yo recibo un buen aprendizaje de Bushido. Muchas cosas que me gustan especialmente de ese espíritu. La inmediatez, la espontaneidad, ... vivir dentro de una canción. Todo eso son cosas que con Bushido hemos vivido de forma muy descarada, muy bestia y en cierto modo eso también tiene que ver con “El Viaje A Ninguna Parte”. Pero “El Viaje A Ninguna Parte” lo empecé a componer antes de grabar Bushido. Empecé en enero y Bushido lo grabé en mayo o algo así. Pero son proyectos que han convivido juntos han estado sucediendo más o menos en el mismo tiempo.

ZOE PROMETE UNA NOCHE INOLVIDABLE

Afinan últimos detalles para la próxima presentación de la banda en el Polifórum Zamná de la ciudad de Mérida

Una producción a la cual muy pocos han llegado ya que no es un simple concierto acústico sino un concierto mágico, un lugar en donde se conjugan el arte, la creatividad, la pasión y la música, dándole forma a aquellos sonidos inimaginables, esos que sólo los grandes músicos crean a base de trayectoria y esfuerzo

La presentación de "MÚSICA DE FONDO", EL CONCIERTO UNPLUGGED DE ZOÉ EN MÉRIDA, es el próximo 3 DE JUNIO en el POLIFÓRUM ZAMNÁ, y el concepto en el que se mostrará al público es el original al del MTV UNPLUGGED que grabaron meses atrás. Cabe mencionar que para abrir el evento se contará con la participación del grupo Hello Seahorse! que ha sido galardonada con varios premios nacionales y cuya vocalista, Denisse Lo Blondo, también participa en el unplugged.

Esta producción a la cual muy pocos han llegado ya que no es un simple concierto acústico sino un concierto mágico, un lugar conjuga el arte, la creatividad, la pasión y la música, dándole forma a aquellos sonidos inimaginables, esos que sólo los grandes músicos crean a base de trayectoria y esfuerzo.

La apertura del Polifórum al público será a las 18:00 horas (no se permitirá el acceso de cámaras fotográficas ni de video) y posteriormente, a las 20:00 horas se dará inicio al viaje espacial con la "MÚSICA DE FONDO" de ZOÉ. Cabe resaltar que por disposición oficia y debido al concepto del concierto todos los asistentes deberán permanecer sentados durante el evento.

Los boletos pueden adquirirse en las oficinas de SPANDER ENTERTAINMENT ubicadas en la calle 60 norte x 21 (a un costado del tecnológico), en Ópticas Espadas (sucursal Montejo9, en Burguer King Centro (frente a la iglesia de la Tercera Orden) y en la página de internet www.tusboletos.mx (con cargo adicional por servicio). Los costos son $950 VIP, $650 Palcos y $350 General.

ENRIQUE BUNBURY ANUNCIA EN SU FACEBOOK LA GRABACIÓN DE SU SÉPTIMO ÁLBUM SOLISTA.

Tras la publicación de Gran Rex, el disco en directo en el que recopilaba algunas de las mejores canciones de su repertorio, Bunbury vuelve al estudio de grabación.
Según comunica a través de su Facebook, es un álbum conceptual, narrativo y cinematográfico, dividido en cuatro partes, con el que da un nuevo giro en su trayectoria artística.
La grabación se está realizando en Texas con su banda habitual "Los Santos Inocentes".
Su publicación está prevista para Navidades de 2011.

enriquebunbury.com: Exclusiva ‘RS’: Documental de Bunbury

enriquebunbury.com: Exclusiva ‘RS’: Documental de Bunbury

KE SIGNIFICAN LOS TATUAJES DE BUNBURY

Es muy difícil que Enrique Bunbury hable sobre sus tatuajes, ya que lo considera algo muy personal o seguramente, trate un poco del misterio y arrogancia que intenta reflejar, para seguir con su formula de "Prefiero ser un artista chulo y prepotente a uno plano y aburrido". Dicho misterio realmente mueve a sus fans a descifrar incógnitas con resultados bastante interesantes. La mayoría de sus tatuajes tienen algo en común que es  "DIOS" en sus diversas facetas por doctrinas, religiones y creencias. Por otro lado predominan tatuajes de antaño que lo identifican en etapas de su carrera y vivencias.


SIMBOLOS "OM", "TAO" Y "YHVH"



TAO



Tao o Dao alude al significado más importante en la antigua filosofía china. Se podría traducir como el camino, la vía, el método, la dirección o el curso principal.
El significado del Tao depende del contexto y puede referirse a un término religioso, moral, racional, de conocimiento, de gusto, de verdad o de deber.
El tao es el tema principal del taoísmo, pero el confucionismo también lo emplea como El Camino o noble camino de conducta.

OM        



OM o AUM es el símbolo de lo esencial en el Hinduismo. Significa unidad con lo supremo, la combinación de lo físico con lo espiritual. Es la sílaba sagrada, el primer sonido del Todopoderoso, el sonido del que emergen todos los demás sonidos, ya sean de la música o del lenguaje.
Esta sílaba es también llamada la "Udgitha" o "pranava mantra" (mantra primordial), pues es considerada por los hindúes el sonido primordial, origen y principio de la mayoría de los mantras, palabras o sonidos divinos y poderosos.

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YHVH = "hace que llegue a ser"



Sobre la pronunciación de esa letra hay varias hipótesis de como lo pudieron haber pronunciado estos son:  "Ja" , "Yavé" , o "Jehova".

YHVH es una forma verbal de la raiz “hvh,” que es una variacion antigua de
la raiz “hava,” que significa, “ser, sera, existir"

El significado de YHVH está relacionado con el verbo hebreo que se traduce al castellano como "ser", en tanto que "SEÑOR" es la traducción de la palabra hebrea Adonay.

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SIMBOLO DE HEROES DEL SILENCIO Y EL CORAZÓN CON LA ESPIRAL
  


El Español Pedro Delgado, Diseñador Gráfico:
...Cuando me mandan un trabajo presento cosas. La idea original suele ser mía. Entre las que presenté a ellos estaban los dragones que formaban la H. Luego pensaron que era demasiado complicado, quer­ían hacerlo más sencillo e hicimos la segunda versión que es la H con la S enlazada.



En cuanto al símbolo que tatuó debajo: En la época de Senda 91. Quique no ten­ía nada claro y fui yo quien le diseñó un corazón con un símbolo psicodélico como es la espiral...

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"Ai Apaec"



Ai Apaec o Aia Paec fue el terrible dios de los mochicas (200-800 e.c.) que sediento de sangre exigía sacrificios humanos. Los Cie-quich y los Alaec le ofrendaban jóvenes guerreros en hermosos templos como Huaca de la Luna, Huaca el Brujo, Huaca Pañanmarca y Huaca Rajada.

Su imagen más famosa fue descubierta en 1990 por el arqueólogo peruano Daniel Morales, en la Huaca de la Luna (Trujillo). Tiene el rostro antropomorfo, la boca felínica y olas marinas que rodean su cabeza. En otras representaciones aparece con un bastón de mando o empuñando un filudo tumi, siempre con el rostro fiero, aterrador.

Se le adoraba como el dios creador y protector del mundo Moche. Era el proveedor del agua, de los alimentos y de los triunfos guerreros.  

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ROSA NAUTICA



Una rosa de los vientos o rosa náutica es un círculo que tiene marcados alrededor los rumbos en que se divide la circunferencia del horizonte.

Dividiendo los rumbos laterales y los principales se tienen ocho nuevos rumbos, llamados colaterales, que son: nor-noreste, este-noreste, este-sureste, sur-sureste, sur-suroeste, oeste-suroeste, oeste-noroeste y norte-noroeste.

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"ALA HABITA EN ESTA CASA"




Se trata de caligrafía arabe el cual corresponde a un verso del corán que quiere decir "ALA HABITA EN ESTA CASA" y se encuentra en la Kabbah.

La Kabbah es descrita como "La casa de Dios" en el Corán (cita), aunque no se deba leer esto en su sentido literal. Los musulmanes no creen, que Dios reside en La Kabah. Esto es un término figurado. Actúa como un 'marcador', indicando una dirección constante de rezo para todos los Musulmanes, y por lo tanto destacando la unidad de hermandad Islámica. La kabbah está cubierta con un paño (Kiswah) que es ilustrado prominente con Caligrafía árabe, destacando versos del Quran. El Kiswah es substituido cada año con nuevo Kiswah durante el período anual Hajj de 5 días. Realmente es un trabajo colmado de paciencia y amor, el bordado de los versículos coránicos, arte que se transmite de generación en generación.

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Dios dual, Quetzalcoatl-Ehecatl
 
Lo primero que hay que decir es que Quetzalcoalt era un dios Dual en el mundo indigena:



Dos deidades en una.  Según los comentariasta de los códices "Telleriano-Remenensis  Y "Vaticano Latino 3738" (el segundo copia al primero, según el P. Ríos), Tonacatecuhtli, en el momento de la creación dividió con un soplo el agua del cielo y de la tierra, o sea que dio forma a la misma, y despues con otro soplo creó a su hijo Quetzalcoatl con la misión de redimir al mundo con sacrificio y penitencia.  Por eso Quetzalcoatl, soplo del creador, es también Ehecatl, dios del Viento, entre cuyas obligaciones está limpiar los caminos para que llegue Tlaloc, dios del Agua.  El caracol es el pectoral  de Quetzalcoatl porque hace resonar la voz divina cuando pasa el viento por su espiral; su nombre es Ehecailacozcatl, el Caracol Joyel del Viento.  Tal vez los caracoles que hacían sonar en los templos de Tenochtitlán a la media noche era llamadas a penitencia.

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La Simbología islámica de la media luna





Mustafa Kemal Atatürk, el fundador de la República turca, caminaba por un campo de batalla una noche tras un combate victorioso durante la Guerra de Independencia Turca, y observó la reflexión de una estrella y la formación de la media luna creciente sobre un vasto fondo de sangre en el terreno de una colina rocosa de Sakarya.

El Islam se identifica con un símbolo histórico: la media luna o creciente islámico. Su simbolismo es rico y desconocido por la mayoría de gentes ajenas al Islam.

Creciente: Una de las formas más características de los movimientos de la luna: simboliza a la vez el cambio y el retorno de las formas.

La media luna , asociada a una estrella, en diversos países musulmanes simboliza la imagen del paraíso.

Los teólogos musulmanes dicen que la media luna está a la vez abierta y cerrada, es a la vez expansión y concentración. El trazo, a punto de cerrarse sobre si mismo, separa y deja ver una abertura. Asimismo, el hombre no está aprisionado en la perfección del plan divino... El signo de la media luna aparece sobre todo como emblema de la resurrección. Parece cerrarse, estrangularse, pero he ahí que en un punto se abre sobre el espacio libre, sin limites. Así la muerte parece cerrarse sobre el hombre, pero éste renace a otra dimensión, Infinita. Se pone por consiguiente el signo de la media luna sobre las tumbas.

La media luna, emblema de los otomanos, se convirtió, a partir de la Edad Media, en el símbolo de la mayor parte de los países musulmanes. Aún hoy muchos de ellos llevan este signo sobre su bandera nacional (Paquistán, Argelia, Libia, Túnez, Turquía...).

El "hilal" o luna creciente no era un símbolo inicial del Islam. No data de la época de Mahoma. Su uso se inició con los turcos en el Imperio Otomano. La tradición dice que la bandera turca muestra la media luna con una estrella en el centro porque el sultán Mehmet II Fatih (el que conquistó Constantinopla -hoy Estambul- entró en Constantinopla bajo una luna semejante en la madrugada del 29 de mayo de 1453. Fue así como esta dinastía turca adoptó ese símbolo como emblema oficial.

También los otomanos iniciaron la tradición de colocar medias lunas en el remate de las cúpulas y los minaretes a fin de indicar la dirección de La Meca. Por lo general la media luna está colocada encima de 3 o 5 esferas que representan niveles descendentes de la realidad (desde el divino al mundo físico).

Actualmente es un símbolo tradicional entre los musulmanes que refleja el calendario lunar que regula su vida religiosa. La luna creciente anuncia el Sagrado Mes de Ramadán. La media luna es también un recordatorio simbólico de que la vida llega y se va en el tiempo asignado a ella.

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EL SAGRADO CORAZÓN



El Sagrado Corazón es el nombre utilizado por algunos católicos para referirse al corazón físico de Jesús de Nazaret, como un símbolo de amor divino. La devoción al Sagrado Corazón al enfocarse en el corazón de Jesús, de forma metafórica se refiere a la vida emocional y moral de Jesús, especialmente a su amor por la humanidad.

También se refiere al concepto Cristiano del amor y adoración a Jesús. En la mayoría de las imágenes el Corazón de Jesús se visualiza con una corona de espinas y heridas hacia las que Jesús señala. Este corazón herido simboliza el dolor de Cristo cuando la humanidad rechaza el mensaje de salvación para la humanidad que trae la palabra de Dios. Al incluir la corona de espinas, hace alusión a la forma en que Cristo murió, la cual se hace más evidente al observar las heridas en las manos de Cristo. Por lo tanto esta imagen se refiere a la de Cristo Resucitado.

La devoción al Corazón de Jesús tiene un origen medieval, siendo los escritos de santa Matilde de Hackeborn y de santa Gertrudis de Helfta uno de los testimonios más antiguos. Sin embargo la fuente más importante de la devoción en la forma en que la conocemos ahora, fue Santa Margarita María Alacoque de la Orden de la Visitación de Santa María, a quien Jesús se le apareció. En estas apariciones Jesús le dijo que quienes oraran con devoción al Sagrado Corazón, recibirían algunas gracias divinas.


España y el Sagrado Corazón
Gracias a los jesuitas el culto al Sagrado Corazón llega a España (y a la América española). Con la llegada de Felipe V de España ésta se ve reafirmada por la carta que escribe a Benedicto XIII en 1727, pidiendo Misa y Oficio propio del Sagrado Corazón de Jesús, para todos sus Reinos y Dominios.

Durante la guerra civil española muchos soldados del bando nacional llevaban sagrados corazones de fieltro adheridos a la ropa y era devoción que servían para detener las balas enemigas; se les llamaba "detentes".

También fue muy utilizada (y lo sigue siendo en la actualidad) en España la imagen del Sagrado Corazón en una chapita metálica fijada a la puerta como símbolo de la condición católica de una casa. Una imagen sedente era con frecuencia entronizada en la principal sala de la casa acompañado de algún lema, del tipo El Sagrado Corazón de Jesús reina en esta casa.

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NAVEGAR ES PRECISO



Navegantes antiguos tenían una frase gloriosa:
"Navegar es preciso; vivir no es preciso."

Quiero para mí el espíritu de esta frase,
transformada la forma para casarla con lo que yo soy;
Vivir no es necesario; lo que es necesario es crear.

No cuento gozar mi vida; ni en gozarla pienso.
Sólo quiero tornarla grande,
pese a que para eso
Tenga que ser mi cuerpo y (mi alma) la leña de ese fuego.

Sólo quiero tornarla de toda la humanidad;
aunque para eso tenga que perderla como mía.

Cada vez más así pienso.
Cada vez más, pongo en la esencia anímica de mi sangre
el propósito impersonal de engrandecer la patria y contribuir
para la evolución de la humanidad.

Es la forma que en mí tomó el misticismo de nuestra Raza.


Fernando Pessoa

fuente:bunbury y mas
por:Peranbury

Enrique Bunbury, en el inventario de su vida

La química que Enrique Bunbury consigue crear con el público en sus conciertos es distinta a la de otros artistas.

El existencialista rockero español logra una conexión única a través de los mensajes que lanza en sus canciones, que suelen ser odas a la melancolía pero con una puerta entreabierta a la esperanza.
Y la audiencia responde con una entrega total.
Esa peculiaridad de Bunbury queda reflejada en su último trabajo, un álbum doble llamado Gran Rex, en alusión al famoso teatro de Buenos Aires, Argentina, por el que pasan muchos artistas latinoamericanos y españoles.

El álbum, una grabación en vivo de su concierto en ese local los días 3,4 y 5 de noviembre de 2010, es un balance en 24 canciones de su vida como cantante y compositor.

La ascensión rítmica y emocional de los conciertos queda clara tanto en los temas, cuidadosamente elegidos por Bunbury para un de por sí entregado público porteño, como en la respuesta de la audiencia, cuyo entusiasmo va en aumento a medida que se suceden los temas sobre el escenario.

El cabaret
En estos dos discos, el artista muestra sus diferentes facetas como autor de folk-rock, rock and roll duro, rock cabaratero, con sonidos de acordeón y clarinete, así como jazz-soul y rock sureño.

La obra salió a la venta el día 4 en Estados Unidos, España y Latinoamérica.

Éste es el tercer trabajo en vivo que Bunbury entrega en su carrera como solista.

Los dos anteriores son Pequeño cabaret ambulante (2000) y Freak Show (2005).

Bunbury también es particular en ese aspecto pues generalmente las grabaciones cada tanto de discos en vivo suelen ser características de los músicos de blues y jazz y no tanto de los rockeros.

En un álbum en vivo, el margen de error que tiene el artista es muy poco.

Frente a frente
El repertorio de los dos discos será muy familiar para los houstonianos seguidores de Bunbury pues, salvo un par de rancheras del compositor mexicano José Alfredo Jiménez, es exactamente el mismo que presentó el 27 de abril del año pasado en House of Blues, cuando comenzó su gira de más de 60 conciertos por Estados Unidos, México, Argentina y España.

El álbum abre con su faceta de rock-folk con los temas Las consecuencias, De todo el mundo y Frente a frente.

Este último tema, la versión de Bunbury de la canción que la intérprete española Jeanette puso de moda en 1981, es interpretado por el rockero con una intensidad desgarradora. Bunbury es acompañado por el tecladista español Jorge Rebenaque, que tiene una soberbia participación con el teclado electrónico, muy usado en el gospel y el soul-jazz, lo que acentúa el carácter dramático del tema, que habla de una agónica separación.

En el segundo bloque dominan el rock sureño y rock cabaretero.

Abre con Los habitantes, de rock-blues sureño, muy influido por la obra de grupos estadounidenses del mismo género, como la banda de Texas Old 97's o el grupo de Georgia Drive By Truckers.

Es en este bloque donde hace alarde de su virtuosismo el guitarrista Jordi Mena, en un largo requinto que suena como un lamento de blues moribundo.

Los siguientes tres temas del disco, Enganchado a ti, El Extranjero y Desmejorado, muestran la faceta de Bunbury como artista entrenado en el rock de cabaret, con influencia de las baladas francesas y alemanas de principios del siglo XX, y con una evidente influencia en el estilo interpretativo y los arreglos del estadounidense Tom Waits.

Estos tres temas, donde arriesga más que en otros y muestra una faceta innovadora, son los mejores del disco.

Diálogo con el público
Durante la interpretación de estas canciones, Bunbury mantiene distintos diálogos sobre el escenario.
Musicalmente, destaca el que se desarrolla entre su voz y la guitarra de Mena en Enganchado a ti, donde el cantante hace scats, técnica vocal de jazz para hacer onomatopeyas, al mismo tiempo que los requintos.

Con el público, Bunbury crea un clímax en el diálogo que provoca en El Extranjero, donde los presentes corean junto a él la mayor parte de la canción mientras la mandolina de Mena adorna con improvisaciones de jazz.

La gema del disco es su versión de Desmejorado, nuevamente con Mena y Rebeneque, en la mandolina y el acordeón respectivamente, como una balada de jazz con un aire lejano a banda funeraria de Nueva Orleans.

La introducción del acordeón, un instrumento muy cercano en el sonido al bandoneón del tango argentino, es un guiño al público porteño que éste no deja pasar de largo.

Sólo es rock and roll
Bunbury, cuyo nombre real es Enrique Ortiz de Landazuri Izardui, se dio a conocer a mediados de la década de los 80 como cantante y guitarrista del grupo español de rock Los Héroes del Silencio.

Las canciones de la banda eran del rock básico, sin grandes complicaciones armónicas ni melódicas. Posteriormente, Bunbury empezó a hacer carrera en solitario.

En Gran Rex, retorna a su orígenes de rockero duro con buenas versiones de los temas El Anzuelo, El Rescate, Hay muy poca gente, Que tengas suertecita y Sólo es si me perdonas. En ellos explora sus raíces musicales y las sazona con ligeras dosis de ritmos latinos, aunque sin grandes alardes. Y con ellos cierra el primero de los dos discos.

La apuesta por el rock and roll que hace Bunbury como tema central en la segunda parte de la grabación le da mejores resultados con el público, ya que los asistentes participan más y cantan con más intensidad.

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Los temas Si e Infinito, con el coro de la audiencia, son grandiosos y nuevamente Mena se luce con sus requintos que están a caballo entre el blues, el jazz y el son.

Además de Rebenaque y Mena los otros acompañantes de Bunbury son los músicos españoles Ramón Gacías (batería), Robert Castellanos (bajo) y Álvaro Suite (guitarra).

En resumen, Gran Rex funciona como un perfecto mosaico de la carrera de Bunbury. Sin embargo y por eso mismo, resulta un poco cansino escuchar otra vez temas como Puta desagradecida, Lady Blue o Alicia, que, aunque son presentados con pequeños cambios en los arreglos, podrían merecer la jubilación para la próxima gira del artista.

Texto: David Dorantes
Fuente: www.chron.com